제2차 세계 대전 이후 추상 미술은 유럽과 예술에서 중요한 미술 운동으로 발전했습니다.
이 기간 동안 예술가들은 당시 일어나고 있던 사회적, 문화적 변화에서 영감을 받아 새로운 기법과 스타일을 실험하기 시작했습니다.
유럽과 미국의 추상 미술 발전은 다양한 스타일로 이루어졌습니다.
이 글에서는 유럽과 미국의 추상미술 경향과 작가들, 그리고 숭고의 미학을 살펴보고자 한다.
유럽의 추상 미술 발전
유럽의 추상미술은 비형식적(informal)이라 불리며 대상이나 주제를 알아볼 수 없는 비객관적이고 비대표적인 특징을 갖는다.
회화를 정의하는 요소인 색, 선, 형태가 특정 대상을 묘사하는 부차적 요소가 아닌 독립적이고 주요한 요소가 되었음을 의미한다.
특히 작가의 주관적 느낌에 따라 조화나 구도만을 중시하며 미니멀리즘으로 나아가고 있다.
유럽의 추상 미술가로는 칸딘스키, 몬드리안, 말레비치가 있습니다.
먼저 칸딘스키는 독일 표현주의 그룹 중 청기사 그룹의 일원으로 사실주의 형식에서 탈피하여 순수 추상화의 세계를 개척한 추상화가이다.
그의 그림 스타일은 몬드리안과 비교할 때 “뜨거운 추상화”로 묘사됩니다.
그는 예술은 시각이 아닌 마음을 담고 있어야 하며, 순수한 색과 형태로 구성되어야 하며, 현실의 구체적인 대상에서 벗어나기 위해 필연적으로 작가가 조각해야 한다고 말했다.
그래서 나는 잔뜩있다
음악이 순수한 감정을 전달한다는 점에서 영감을 받아 음악처럼 감정과 생각을 자유롭게 전달하는 요소로 색상을 표현하였다.
그래서 음악적 특성을 살려 작품의 제목도 ‘인상’, ‘즉흥’으로 지었다.
둘째, 몬드리안은 ‘차가운 추상주의’로 대표되는 작가다.
Mondrian은 Doisbruch가 설립한 De Stijl 예술 운동의 중요한 구성원으로 그가 신조형주의라고 부르는 비재현적 형식을 발전시켰습니다.
그의 많은 작품은 세 가지 기본 색상(빨간색, 파란색 및 노란색)과 함께 검은색 선의 가로 및 세로 그리드를 사용합니다.
셋째, 러시아 추상화를 주도한 말레비치는 색과 형태가 사라진 절대주의에 대한 ‘신사실주의’를 주장했다.
사각형을 기본으로 한 기하학적 도형을 선택하여 색의 순수함을 강조하고 독립된 실체로 강조하였다.
그의 작품은 점차 새로운 예술적 방향인 절대주의의 탄생을 예고했고, 이후 ‘무’의식을 발전시켰다.
그의 추상 미술은 더하기가 아니라 빼기와 빼기에 관한 것이었다.
또한 1940년대 1950년대 유럽에서 등장한 타치즘은 색의 즉흥적이고 몸짓적인 움직임을 강조하면서도 보다 느슨하고 유동적인 구성을 특징으로 하는 운동이었다.
Tachishim은 초현실주의의 영향을 받았으며 그의 예술가들은 종종 그들의 작업에서 잠재 의식과 비합리적인 것을 탐구했습니다.
대표작으로는 조르주 마티유, 장 뒤뷔페 등의 작가들이 있다.
특히 장 뒤뷔페는 순수하고 직관적인 표정으로 어린아이처럼 바라보는 것을 선호하며 평범하고 일상적인 소재에서 가치를 찾으려고 노력했습니다.
‘날것의 예술’이라는 뜻의 ‘아르 브뤼(Art Brut)’라고도 불리는 그의 작품은 생각이나 숙련된 기법을 거부하고 어린아이 같은 드로잉을 추구했다.
미국의 추상화가
추상표현주의로 대표되는 1940년대 후반 미국의 추상미술은 무의식적인 공포와 고통받는 자아를 단순한 색채와 평면, 서정적인 화면으로 채우는 것이 특징이다.
액션 페인팅의 잭슨 폴록을 비롯해 감정이 풍부한 강렬한 붓놀림으로 에너지와 위기감을 동시에 표현한 추상표현주의의 거장 윌렘 드 쿠닝, 마크 로스코 등이 대표적이다.
먼저 잭슨 폴록은 액션 페인팅이라는 작업 과정으로 유명하지만 작품 자체는 결과보다는 창작 과정 자체를 보여주는 역동적이고 즉흥적인 몸짓이다.
초현실주의 자동 기법과 표현주의 붓놀림의 영향을 받은 그는 또한 물감을 붓에 담갔다가 뿌리는 “물방울” 기법을 사용했습니다.
작가의 세밀한 계획과 즉흥적 우연의 절묘한 융합을 통해 점과 선의 창의적이고 즉흥적인 반복을 통해 비정형의 추상 작품이 탄생했다.
미국에서는 추상 표현주의 운동이 계속 발전하여 1950년대와 1960년대에 컬러 필드 페인팅 운동이 일어났습니다.
색과 면의 두 가지 요소로 구성된 색면회화는 회화의 평면성을 강조하고 캔버스를 완벽한 평면으로 간주하며 형식주의를 주장했다.
대표작가 바넷 뉴먼은 노골적인 서정성보다는 이성적 사고와 사색이 그의 작품의 근간이 되어 숭고함을 자아낸다며 추상과 주제에 동등한 가치를 부여했다.
또 다른 대표작가인 마크 로스코는 화면을 가로로 나누고 반투명한 색을 겹쳐 종교적이고 사색적인 분위기를 연출했다.
색의 감성적 힘에 대한 탐구에 관심을 갖고 소통의 과정에서 인간의 고통을 덜어주고 넓은 색면의 캔버스를 통해 관객을 작품에 몰입시키고자 했다.
포스트모더니즘의 숭고미학
포스트모더니즘이라는 용어는 일시적일 뿐만 아니라 근대적 세계관과 가치관을 거부함으로써 근대성과의 차이를 반영하는 ‘포스트모던’을 의미하기도 한다.
“포스트모더니즘”은 이성과 지식을 통해 인간과 세계에 대한 명확한 이해를 얻고, 역사의 진보를 믿는 “근대적 이데올로기”에서 탈피하려는 경향으로 등장했습니다.
특히 리오타르는 포스트모더니즘을 옹호하고 서구철학의 전통인 보편성과 체계성을 넘어서는 다양성의 철학을 옹호한 프랑스 철학자였다.
리오타르는 다양성과 차별화를 전제로 하는 포스트모더니즘을 통해 동시대 미술은 일정한 형식과 틀을 파괴하고 예측할 수 없는 흐름 속에서 기존의 형태와 가치의 불확실성과 해체를 드러낸다고 말했다.
아름다움을 배제한 비구상적 현대미술에서의 미적 경험은 ‘숭고함’으로 묘사된다.
숭고의 감성은 물질세계와 일상과의 거리를 두고 새로운 비판적 세계관으로 이끈다.
리오타르는 예술이란 명확하게 정의하거나 표현할 수 없는 것을 만들어내는 실험이자 능동적인 작업이라고 말했다.
예술의 이러한 속성은 칸트의 용어에서 차용되어 “숭고하다”고 설명되었습니다.
인간의 이성을 초월한 무언가를 경험하는 과정에서 불쾌하면서도 즐거움으로 바뀌는 경험이다.
예술에서는 숭고한 표현이 사라지고 형태와 색채가 최소한으로 축소되어 미니멀리즘으로 이어지는데, 리오타르는 이를 ‘부정적 표현’이라고 불렀다.
숭고에 대한 이러한 부정적인 묘사는 대상의 서술을 포기한 “그 자체를 사건으로 그리는 행위”를 의미한다.
예를 들면 Jackson Pollock의 액션 페인팅과 Barnett Newman의 컬러 필드 페인팅이 있습니다.
“무슨 일이야?”라는 질문을 던지기 전에 이미 일어나고 있는 “사건”을 보여주고 지금 여기에서 시간 자체를 나타냅니다.
숭고함은 다사다난함의 경험을 통해 미술감식가 관객의 존재감을 강화시키는 역할을 하는 것으로 나타났다.